Si chiama Pablito, ma non è un diminutivo per indicare il celeberrimo autore dell’opera protagonista di questa vicenda: un capolavoro del calibro di Guernica di Picasso. Si tratta invece di un robot dalle dimensioni importanti e dal considerevole peso di 1560 kg, che lavora tutte le notti sulla famosa tela. Non sono in molti ad averlo visto in azione, perché prende servizio proprio quando termina l’orario di apertura al pubblico e si chiudono le porte del Museo National Reina Sofía di Madrid.

La sua missione? Scattare mille foto all’ora (al ritmo di una mitragliatrice), durante il periodo notturno, nell’ambito di un’operazione che impegnerà il “singolare ricercatore” fino a giugno e produrrà un totale di 24.000 immagini. Ognuno dei cliché riunisce in sé diverse versioni ad infrarosso, ultravioletto, luce multispettrale e scannerizzazione 3D, che permetteranno di spiare tutti il processo di gestazione nei dettagli, i singoli tratti del pittore, ma anche e soprattutto lo stato del quadro a 3/4 di secolo dalla sua “venuta al mondo”.

Buona parte del suo lavoro sarà esposto nella mostra, organizzata per la commemorazione del 37° anniversario del bombardamento del villaggio basco di Guernica, da parte delle forze tedesche e italiane che appoggiavano il generale Franco durante la Guerra Civile Spagnola, che sarà incentrata proprio sull’opera di Picasso e sul padiglione Spagna dell’Esposizione Internazionale di Parigi del 1937, dove venne esposta per la prima volta. Un impegno di prim’ordine per il “nuovo acquisto” del Dipartimento di Conservazione e Restauro afferente al grande museo madrileno. Ma catturare l’anima di uno dei quadri che hanno fatto la storia della pittura, val ben qualche sacrificio!

Via | clarin.com

Il robot che studia Guernica

Pablito. Il robot che studia Guernica é stato pubblicato su artsblog alle 13:46 di sabato 11 febbraio 2012.

In Francia l’agenzia Fred & Farid ha lanciato per Weight Watchers una campagna di quelle che non passano inosservate. Tema: la donna e il suo rapporto controverso col cibo, l’ossessione per la linea, la dieta, la forma. Una serie di rutilanti, quasi minacciosi close-up di bocche femminili nell’atto di mangiare i cibi più variegati. Un invito a godersi la vita, ad alternare e apprezzare la diversità dell’alimentazione, ma anche a liberarsi dei complessi.

L’aggressiva pop-art dello spot e delle stampe, tutte fortemente contrastate, si concentra inesorabilmente sulle lucide labbra femminili nell’atto di mordere tutto, dalla lattuga alle caramelle gommose, dal pesce crudo alle patatine fritte. Un gesto di sfida contro la frustrazione dei programmi dietetici, a favore di uno che lascia mangiare qualsiasi cosa si desidera. Le immagini, intrise di fissazione orale, sono innegabilmente suggestive, ma si muovono su uno strano crinale che le rende allo stesso tempo energiche e degradanti. C’è qualcosa di osceno in queste immagini.

Appaiono così stilizzate da rimuovere completamente ogni contatto emozionale che regola il rapporto delle persone con il cibo. E nel momento stesso in cui esibiscono un desiderio liberatorio sembrano confermare il rapporto malato dell’uomo occidentale con il cibo, tra bulimia e anoressia. Un voyeurismo glaciale di fondo, il dettaglio quasi porno, invece, confermano l’eterno vizio pubblicitario nel rappresentare la donna, qualunque sia il suo obiettivo finale.

Amate il cibo, un invito per le donne

Dalla Francia una campagna glamour e inquietante é stato pubblicato su artsblog alle 00:02 di sabato 11 febbraio 2012.

Se le vedi di giorno le 9.000 piccole luci installate dall’artista italiano Giancarlo Neri nella Praça Paris di Rio de Janeiro sembrano tante palline bianche da golf appoggiate sul prato in attesa di qualche giocatore gigante; la notte invece il prato scompare, il buio assorbe il panorama e finalmente appare l’istallazione in tutto il suo perchè.

Sotto il titolo di Maximo Silencio em Paris, miriadi di colori che attraversano tutte le gradazioni si alternano in un gioco di land art che attira ogni volta migliaia di persone (le precedenti installazioni erano al Circo Massimo di Roma nel 2007 e poi Madrid e Dubai).

Su Time Out Rio de Janeiro però apprendo anche un aneddoto interessante sulla genesi di quest’opera, che nasce casualmente da un’acquisto Ikea della moglie dell’artista; una lampada con al suo interno tanti bulbi luminosi di colori diversi. Di qui l’idea di disseminare di luci uno spazio pubblico, perchè per Neri l’arte deve essere gratis e a portata di tutti, questa installazione però è già conclusa, vedremo quale sarà la prossima location ad effetto.

Maximo Silencio em Paris - Novemila luci colorate a Rio é stato pubblicato su artsblog alle 13:02 di venerdì 10 febbraio 2012.

Lo abbiamo acclamato in tutte le forme. Artista prodigioso, autore, scienziato e visionario, ha anticipato il corso della storia con la sua fervida immaginazione, tracciando un futuro ipotetico fatto di oggetti che ormai ci sono familiari, ma che ai suoi contemporanei spesso apparivano come vere e proprie stregonerie. Le grandi invenzioni di Leonardo sono oggi riunite in una mostra visitabile fino al 2 maggio presso il Centro de Arte Canal di Madrid.

“Da Vinci. El Genio”, mai titolo fu più evocativo per un’esposizione che, grazie alla collaborazione di ben ventinove istituzioni culturali internazionali, porta per la prima volta in Spagna alcuni tra i più straordinari oggetti partoriti dal grande maestro toscano. Diciassette sezioni per esplorare il vastissimo campo di interessi leonardeschi, dall’ingegneria militare alle macchine civili, dai bozzetti anatomici ai codici, passando per la necessaria parentesi dedicata ai segreti della Monna Lisa.

Naturalmente non poteva mancare uno spazio dedicato alle “prodezze artistiche” del Da Vinci, e, nel caso specifico si tratta di un intera vetrina centrale contenente cinque disegni originali, tra i quali uno studio per la celebre Battaglia di Anghiari, arrivati a Madrid per gentile concessione dell’Accademia di Venezia e della Pinacoteca Ambrosiana di Milano, ma anche delle famose copie di discepoli come L’ultima cena di Giampietrino, arrivata proprio in questi giorni dalla Royal Academy of Arts di Londra. L’occasione ha inoltre permesso agli spagnoli di mettere in evidenza alcune opere del “rinascimento locale” che risentono degli influssi leonardeschi, come gli schizzi, la pietà e adorazione dei Magi di Fernando Yáñez, e alcuni lavori di Fernando Llanos. Quello che invece non ci aspettati è l’angolo gastronomico con tanto di creazioni a tema.

Via | 20minutos.es

Da Vinci. El Genio

"Il lato più nascosto di Leonardo Da Vinci" é stato pubblicato su artsblog alle 12:11 di venerdì 10 febbraio 2012.

Alla galleria Lisette Alibert di Parigi va in scena la purezza dell’energia. Parliamo di una specie di “istantanea esplosione” che viene fuori dalla mostra “Energheia”, evento artistico dedicato al tema del tessuto, organizzato in collaborazione con la città di Montrouge. Dall’Italia alla Francia, la creatività viaggia sulle ali di seta dei materiali più preziosi e di quelli più semplici per affermare un “simultaneo diritto all’esistenza”, che vede nell’illusione artistica, la più completa delle realizzazioni.

Sembra che nella splendida cornice di Place des Vosges, il “quadrilatero dell’arte” contemporanea d’oltralpe, sia contenuta tutta la concentrazione attiva e dirompente che può essere racchiusa in quadro. Un “soffio vitale” che ha assunto la forma eterea delle opere di Hausey-Leplat, Mahé Boisel, Kako Noel H., Silue, Ester Maria Negretti, Mimmo Totaro e che prosegue nella direzione tracciata dal Miniartextil, importante appuntamento artistico comasco attualmente ospitato presso il Salons de l’Hotel de Ville di Montrouge.

Energheia a Parigi

"Energheia" alla Galleria Lisette Alibert di Parigi é stato pubblicato su artsblog alle 11:18 di venerdì 10 febbraio 2012.

Si presenta al pubblico per la prima volta 150NOISE , un interessante progetto dedicato al mondo dell’incisione. L’idea del fondatore, Antonio Vecchio, è quella di istituire una nuovo e virtuoso rapporto tra i luoghi tradizionale e virtuali dell’esibizione. Il progetto nasce come luogo d’incontro in rete, uno spazio web in cui gli artisti sono parte attiva di un processo di valorizzazione dell’arte grafica, con una particolare predilezione per la calcografia. All’interno del sito, gli artisti hanno la possibilità di relazionarsi tra loro ma anche con collezionisti ed appassionati, creando così un’effettiva rete di comunicazione.

Ma nello stesso giorno - sabato 11 febbraio - al lancio sul web di 150NOISE si affiancherà l’inaugurazione di un mostra vera e propria, curata da Antonio Vecchio e Vania Caruso e ospitata dalla Galleria 291 Est a Roma, in via dello Scalo San Lorenzo. Qui il visitatore potrà ammirare una selezione di opere realizzate dai sette “apripista” del movimento: Andrea Rinaldi, Antonio Vecchio, Fernando Di Stefano, Gianna Bentivenga, Giorgia Pilozzi, MariaPina Bentivenga, Sevak Grigorian. Le loro storie e le loro opere si possono scoprire sul blog parallelo al sito.

Artisti diversi tra loro che affrontano tecniche e tematiche differenti: dall’acquatinta al bulino, fino alla monotipia, antiche tecniche e nuovi materiali si sposano ed incontrano linguaggi contemporanei con lo scopo di conservare, divulgare e sperimentare. La grafica d’arte, finora percepita come noise- rumore di fondo, nel panorama artistico contemporaneo, vuole, con il movimento 150noise, diventare musica.

E’ senz’altro vero che nell’incisione si conserva una dimensione artistica in grado di unire tra loro suggestioni antiche e moderne. Prima fra le tutte le tecniche di “riproducibilità dell’opera d’arte”, secondo la lezione di Walter Benjamin, l’incisione è però ancora al di qua della produzione in serie dell’epoca industriale. Come ricorda Antonio Vecchio “a partire da una singola lastra calcografica, ogni stampa può far parte di una tiratura più o meno limitata. Tale aspetto è parte integrante dell’opera, così come le scelte tecniche e stilistiche, l’uso dei diversi materiali, di una o più matrici, la scelta di inchiostrare con colore o con il nero”. Ogni stampa è così a suo modo un pezzo unico, in cui si incrociano manualità e riproduzione meccanica.

Durante il vernissage gli artisti mostreranno dal vivo alcuni processi di stampa nel laboratorio della galleria stessa, dando vita ad una singolare performance creativa. La mostra è dunque anche un’occasione per conoscere meglio una tecnica artistica che ha alle spalle una solida storia e tradizione, ma che per molti è ancora un mondo tutto da scoprire.

L’incisione rinasce con 150NOISE

L'incisione rinasce con 150NOISE é stato pubblicato su artsblog alle 22:36 di giovedì 09 febbraio 2012.

Deve proprio essere l’anno di Yayoi Kusama, dopo l’apprezzatissimo progetto The Obliteration Room a Brisbane ecco una grande retrospettiva alla Tate Modern di Londra che inizia proprio oggi e sarà on stage fino al 5 giugno 2012.

Nel video che vedete qui sopra, (il trailer di un documentario a lei dedicato) la novantenne Kusama si definisce un artista d’avanguardia, che si pone di fronte alla tela con la mente sgombra e si lascia portare dal flusso delle idee che nascono nel momento in cui disegna; e quasi non traspare il suo passato sofferto (è lei stessa nel 1977 decide di rinchiudersi in un ospedale psichiatrico), quando dice: “io adoro tutto ciò che ho fatto“. Il pathos psichico viene come esorcizzato grazie alla ripetitività ossessiva dei famosi polka-dots e cerca una risposta inscatolando lo spettatore dentro ambienti immersivi, per fargli sentire fino in fondo la precisa confusione dell’artista.

In questo articolo la giornalista Jackie Wullschlager parla del parallelo tra Yayoi e Louise Bourgeois, entrambe protagoniste di un viaggio biografico dal rurale al cosmopolita, luoghi che però socialmente vedono sempre l’uomo come punto focale. Il surrealismo pop diventa allora l’arma o la lente per leggere le distorsioni di certi modi di vivere la relazione uomo/donna. La mostra appena inaugurata alla Tate è una grande -e spettacolare- occasione per conoscere meglio una delle più grandi artiste viventi contemporanee.

Yayoi Kusama alla Tate Modern di Londra é stato pubblicato su artsblog alle 15:23 di giovedì 09 febbraio 2012.

Si chiama “La pietra e la carne” ed è una singolare esposizione dedicata alle opere in travertino persiano di Christian Zucconi, che sarà ospitata presso il Cassero per la scultura di Montevarchi dall’11 febbraio al 9 aprile. La mostra esplora le “ragioni sensuali del corpo”, attraverso una singolare reinterpretazione di forme, che sposa l’ottica del luogo nel quale va in scena: un museo in provincia di Arezzo, interamente dedicato all’arte plastica italiana dell’ottocento e del novecento.

Una nuova messa in valore che passa per le stanze di un castello del centro Italia, per il giovane artista piacentino “reduce dalla sua partecipazione alla 54ª Biennale Internazionale d’Arte di Venezia e da due straordinarie personali allestite all’interno del Museo d’Arte Antica del Castello Sforzesco a Milano e del Palazzo Farnese a Piacenza”. Le sue sculture antropomorfe hanno l’anima del dolore e la profondità della vita. Si ispirano al soffio stesso dell’esistenza, ma sembrano quasi aver perso il loro daimon e giacere come svuotate, con il solo triste accompagnamento di un residuo di scintilla.

Un effetto particolarissimo che nasce dalla kenoclasia, tecnica basata sulla scomposizione, lo svuotamento e la successiva ricomposizione di pezzi di statue, che vengono riattaccati con grandi suture metalliche, tenute ben in evidenza per sottolineare il disfacimento precedente. Un procedere che esalta la provvisorietà dell’opera che, come la vita stessa che rappresenta, lotta contro l’annientamento che porta incise nella carne le ferite di questa selvaggia resistenza.

Via | ilcasseroperlascultura.it

La pietra e la carne di Zucconi

"La pietra e la carne" a Montevarchi é stato pubblicato su artsblog alle 12:09 di giovedì 09 febbraio 2012.

Dopo l’enorme successo e il gran numero di visitatori raggiunti, la mostra sull’arte a Roma nell’epoca in cui visse operò il grande Michelangelo Merisi detto Caravaggio è stata prorogata fino al prossimo 18 marzo. Ospitata nei saloni Monumentali di Palazzo Venezia, Roma al tempo di Caravaggio, grazie anche alla grande attenzione riservatale dagli organi di stampa, ha conseguito risultati straordinari in termini di partecipazione: sono circa 45mila i visitatori, tra questi molti studiosi che hanno manifestato il loro apprezzamento e importanti personaggi politici, italiani e stranieri. La proroga della mostra è stata possibile grazie a una generosa concessione da parte dei prestatori che, nonostante gli impegni assunti con l’organizzazione di altri eventi, hanno preferito consentire la permanenza dei dipinti di loro proprietà fino a metà marzo.

Attraverso 140 opere provenienti da tutto il mondo, alcune per la prima volta in Italia, la mostra ricostruisce l’ambiente culturale della Capitale in cui visse e operò Caravaggio. Nell’esposizione viene preso in esame quello che si può considerare un momento cruciale della pittura italiana, che nasce negli ultimi anni del XVI secolo in una Roma ancora in crisi per il traumatico scisma luterano e si sviluppa, con forza sempre maggiore, lungo il regno di quattro importanti Pontefici: Clemente VIII Aldobrandini, Paolo V Borghese, Gregorio XV Ludovisi, Urbano VIII Barberini. Questo irripetibile momento durò circa quarant’anni, dal 1595 al 1635 e dagli avvenimenti accaduti in tale arco di tempo dipese gran parte dello sviluppo artistico europeo che si protrasse sino alla fine del Seicento.

In mostra gli artisti italiani dell’epoca - Domenichino, Lanfranco, Guido Reni, Albani - che avevano seguito Annibale Carracci nella città papale,ma anche quelli che fecero proprio il drammatico naturalismo di Caravaggio, come Orazio e Artemisia Gentileschi, Carlo Saraceni, Orazio Borgianni e Bartolomeo Manfredi (abile falsario delle opere di Caravaggio). Non manca una nutrita schiera stranieri - francesi, fiamminghi e spagnoli - presenti a Roma in quel periodo, tra i quali Valentin, Vouet, Honthorst, Rubens, Ribera.

Prorogata la mostra sulla Roma di Caravaggio é stato pubblicato su artsblog alle 22:51 di mercoledì 08 febbraio 2012.

Duchamp era un grande stratega. Maestro di scacchi e di sovrapposizioni. Credo, che le sue opere siano un frutto intimissimo di un certo modo di applicarsi ad un gioco tanto stimolante. Mi verrebbe quasi da dire che non sarebbe stato il grande artista che è stato se non avesse amato smodatamente gli scacchi. C’è un’armonia segreta nel corteggiamento infido della regina, in quel blandire accuratamente la sposa per catturare il suo muto consorte nel più perfetto dei pièges.

Una specie di democratico scenario nel quale anche l’ultimo dei pedoni può attentare alla somma autorità nemica. Un mondo in cui ognuno procede alla sua maniera, realizzando la più personale delle espressioni. Un pianeta lontano della galassia surreale, figlio di incontri di opache nebulose cubiste e di folgoranti stelle futuriste. Una terra che obbediva alla dittatura materica, che si piegava ad un fare a tratti estinto. Poi è stato Duchamp e il concetto ha cominciato a regnare da sovrano.

La pittura non dovrebbe essere solamente retinica o visiva; dovrebbe aver a che fare con la materia grigia della nostra comprensione invece di essere puramente visiva.

Video da arwen987

Di Duchamp non ce n'è mai abbastanza é stato pubblicato su artsblog alle 11:13 di mercoledì 08 febbraio 2012.

Una exposición es siempre parte de un todo mayor - ossia “una mostra è sempre parte di un tutto più grande” - è il nome suggestivo della retrospettiva dedicata a René Daniëls. La mostra, che resterà aperta fino al giorno 26 marzo, è stata allestita in collaborazione col Mueso Reina Sofia negli spazi bianchissimi del Palazzo Velázquez a Madrid, nel cuore del Parco del Retiro.

René Daniels (Eindhoven, Paesi Bassi, 1950) dopo aver terminato i suoi studi artistici nel 1976, ha iniziato ad esplorare le possibilità della pittura come mezzo di collegamento che unisse le arti visive, e la loro ricca storia, con la letteratura e la vita quotidiana. L’ironia, ambiguità e doppio senso svolgono un ruolo importante nel suo lavoro, che si fonda su un attrito tra astrazione e figurazione, tra realtà e rappresentazione.

Più vicino a René Magritte, Francis Picabia, Marcel Duchamp e Marcel Broodthaers che agli artisti neo-espressionisti degli anni Ottanta a cui è spesso associato, Daniëls concepisce la pittura come una sorta di abito, come un gioco di apparizioni e sparizioni, al tempo stesso nella convinzione che un’opera d’arte non può essere disgiunta dal suo contesto sociale e che gli artisti devono evitare qualsiasi inclinazione verso l’ermetismo e l’auto-assorbimento. “Per quanto mi riguarda - diceva Daniëls dell’arte - se io avessi un segreto non lo svelerei. Ma indubitabilmente l’opera è l’estensione di un patrimonio culturale, dentro cui si mantiene un rapporto gioviale con la realtà e il significato profondo che essa contiene.”

René Daniëls in mostra a Madrid é stato pubblicato su artsblog alle 05:31 di mercoledì 08 febbraio 2012.

Enrique Sabater di mestiere faceva il giornalista prima di incontrare Salvador Dalí. Tutto accade nell’emblematica estate del ‘68, quando il reporter trentaduenne bussa alla porta dell’atelier catalano di Port Lligat, dove il pittore ultrasessantenne si è ritirato negli anni ‘30 con l’amata Gala. Il loro è un “appuntamento fatale”, che si prolunga nei dieci anni che seguiranno. Un lungo periodo di tempo nel quale Sabater farà visita all’artista ogni giorno, entrando nelle sue grazie fino a guadagnarsi l’incarico di fotografo ufficiale prima e di segretario personale dopo.

Tra i due si svilupperà un rapporto d’amicizia, fatto di condivisione artistica e di complicità. Una relazione composita nella quale il “Dali surrealista-genio del travestimento” lasciava spazio all’uomo bisognoso di condividere il senso della sua arte. Il risultato di una tale “corrispondenza di spirito” è stato riunito in una mostra, ed è visitabile per la prima volta in Francia, dal 10 febbraio al 10 maggio presso l’Espace Dalí di Parigi.

Una collezione di più di cento tra acquarelli, oli, schizzi, disegni e fotografie, dedicati proprio a Sabater. Un amico che si è lasciato scappare un simpatico aneddoto riguardo il disegno realizzato durante l’ultima traversata sulla Queen Elizabeth II. A bordo del transatlantico in rotta per New York il segretario aveva impedito lo scandalo, rasserenando la collera del pittore, adirato contro la moglie nel casinò di bordo. Per ringraziarlo Dalí gli donò un disegno rappresentante proprio quell’occhio vigile che lo aveva sottratto dal ridicolo!

Signé Dalí

"Signé Dalí" in mostra le opere offerte a Sabater é stato pubblicato su artsblog alle 13:23 di martedì 07 febbraio 2012.

E’ morto a Barcellona il pittore catalano Antoni Tàpies, uno dei protagonisti assoluti dell’arte contemporanea d’avanguardia e uno dei più grandi artisti spagnoli del XX secolo. Aveva ottantotto anni. Artista autodidatta, Tapies è stato tra i principali animatori dell’arte astratta e in particolare della corrente spagnola detta Informale internazionale. È stato tra i fondatori della rivista e del gruppo “Dau al Set” (La settima faccia del dado), di ispirazione neo-dadaista. La sua ricerca, che aveva come riferimento principale la lezione di Mirò e Picasso, lo portò ad emanciparsi dai suoi maestri e a conseguire uno stile unico e personale. Ma anche a farsi pioniere nella sua disciplina, anticipando ad esempio gli sviluppi dell’Arte povera.

Tra le sue opere più importanti ricordiamo: Gran pintura gris (1955), Ovalo blanco (1957), Puerta gris (1958), Cuadros grises sobre marrón (1959), Forma triangular sobre gris (1961), Gran equis (1962), Relieve ocre y rosa (1965), Incrustación y cifras (1974), Huella de silla (1980), Díptico de campaña (1991), Inspiración (1991), las xilografías Nocturno y Gesto (1995), Rinzen (1998).

Addio a Antoni Tàpies é stato pubblicato su artsblog alle 03:56 di martedì 07 febbraio 2012.

La collezione Solomon R. Guggenheim Museum sbarca al Palazzo delle Esposizioni di Roma. Una selezione di opere dell’avanguardia americana, in un arco di tempo che va dal 1945 al 1980, attraverso le più importanti tappe evolutive dell’arte americana in un secolo di grandi e veloci trasformazioni, economiche, politiche e culturali.

Il percorso espositivo prende le mosse dagli anni dell’immediato dopoguerra, con la nascita dell’Espressionismo astratto, che pose all’attenzione internazionale il lavoro di una cerchia di artisti attivi a New York. Da qui si prosegue con la straordinaria moltiplicazioni di correnti che determinarono l’evoluzione del panorama artistico americano: dalle contaminazioni provocatorie della Pop art alle riflessioni estetico-teoriche che caratterizzano l’Arte concettuale degli anni Sessanta; dall’essenzialità del Minimalismo alle rutilanti immagini del Fotorealismo.

Per il direttore del Palaexpò, Mario De Simoni,”non è un best of della collezione Guggenheim, ma una mostra che vuole dare uno sguardo speciale su questa storia americana. In più, credo che in questa città sei Pollock tutti insieme non si siano visti mai”. Nel considerare quest’epoca nodale della storia dell’arte americana, la mostra rivela anche il ruolo fondamentale svolto da Solomon R. Guggenheim Museum, che con il suo mecenatismo favorì non poco l’affermazione degli artisti giovani ed emergenti. Tra le altre opere sono esposti i lavori fondamentali di Jackson Pollock e Arshile Gorky appartenenti alla Peggy Guggenheim Collection di Venezia, e lo spettacolare Barge [Chiatta] (1962–63) di Robert Rauschenberg, dal Guggenheim Museum Bilbao (foto in alto).

Il Novecento americano al Palazzo delle Esposizioni é stato pubblicato su artsblog alle 23:34 di lunedì 06 febbraio 2012.

Centocinquanta primavere ci separano dalla sua nascita, avvenuta nella capitale austriaca, il 14 luglio del 1862. Lui si chiama Klimt e lo conosciamo tutti. E’ talmente amato che i festeggiamenti per l’importante ricorrenza sono cominciati già negli ultimi mesi del 2011. Ad “aprire le danze” ci ha pensato a fine ottobre la galleria del Belvedere di Vienna con la mostra “Gustav Klimt/ Josef Hoffmann. Pionieri della modernità”, visitabile fino al 4 marzo. Uno spaccato del movimento della Secessione Viennese, di cui entrambi gli artisti furono accesi promotori.

Milano non si è tirata indietro e ospiterà, a partire da oggi e fino al 6 maggio, presso lo Spazio Oberdan, l’esposizione “Gustav Klimt. Disegni intorno al fregio di Beethoven”. A fine mese toccherà al Leopold Museum con la retrospettiva: “Gustav Klimt. Un viaggio (nel tempo)”, costruita a partire dal lascito della compagna Emilie Flöge e dalla collezione di Egon Schiele, ammiratore contemporaneo e pittore di talento.

A ciò si aggiunge l’apertura, dopo un lungo restauro, di Villa Klimt, ultimo atelier dell’artista, nel quale si trovano ancora oggi alcune opere degli anni appena precedenti la morte, come la “Donna con ventaglio” e “La sposa” . Non c’è che dire, sembra che questo 2012 sia proprio l’anno di Klimt!

Video da rogomonteiro

2012 che sia l'anno di Klimt? é stato pubblicato su artsblog alle 11:00 di domenica 05 febbraio 2012.

Di David Choe e del suo legame con Mark Zuckerberg avevamo già parlato: il fondatore di Facebook, amante della street art, commissionò proprio all’artista statunitense di origini coreane i murales della prima sede del social network, quella di Palo Alto (California). Erano i tempi in cui il presidente di Facebook era Sean Parker, il geniale fondatore di Napster, che a fronte del lavoro di Choe, impose allo street artist la scelta tra due possibilità: o qualche migliaio di dollari o un certo numero di azioni del social network. Non si sa esattamente in che percentuale, pare tra lo 0,1 % e lo 0,25 % del totale delle quote.

Nonostante a Choe l’idea di Facebook all’epoca sembrasse “ridicola e senza scopo”, optò per la seconda opzione. La scelta si è rivelata così milionaria: il recente ingresso del social network in borsa è valutato intorno ai 100 miliardi di dollari, il che significa un guadagno per l’artista di circa 200 milioni. Che sul suo blog commenta così la vicenda:

“Non vi è mai capitato di fare un sogno in cui siete coinvolti in un incidente e di capire che non esistono incidenti, che non ci sono incontri casuali, e che tutto ha uno scopo?”

David Choe diventa in questo modo l’artista più pagato di sempre, davanti anche a Damien Hirst.

David Choe

Via | LaStampa
Foto | Sito ufficiale

David Choe: lo street artist milionario grazie a Facebook é stato pubblicato su artsblog alle 10:00 di domenica 05 febbraio 2012.

Il Rainbow Family Village è un piccolo villaggio che si trova a Taichung, in Taiwan. È completamente dipinto come se fosse un enorme murales: muri, pareti, strade, tutto è ricoperto da disegni. I colori che caratterizzano questa opera d’arte fatta paese sono tutti molto vivaci (rosso, blu, giallo) e i soggetti sono in stile fumetto. Si dice che l’autore di questo imponente lavoro sia Huang Yongfu, un artista originario di Hong Kong, che dipinse l’allora grigio villaggio quando andò in pensione per renderlo un luogo bello e piacevole. La seconda ipotesi è quella secondo cui Yongfu dipinse l’antico borgo per evitare che venisse abbattuto per la costruzione di nuovi edifici.

Qualunque sia il motivo che abbia spinto l’oramai 90enne artista a creare questo piccolo gioiello, ha sortito l’effetto desiderato. Il rainbow village è diventato una vera e propria attrazione turistica: è visitato quotidianamente da centinaia di turisti, sposi che lo utilizzano come location per le foto o semplici curiosi. Alcuni lo considerano una nuova (o antica?) forma di street art, di certo è un luogo che regala ai visitatori un senso di pace e tranquillità. Qui trovate un reportage fotografico completo sul paese dei colori.

Rainbow Family Village: il villaggio-murales é stato pubblicato su artsblog alle 17:59 di sabato 04 febbraio 2012.

E’ il 1819 e il regime borbonico “vien restaurato” anche in Spagna. Francisco Goya è deluso. Sofferente e ormai avanti con l’età, decide di rifugiarsi in una casa alla periferia di Madrid. Ha due piani a disposizione. Otto superfici che diventano lo scenario perfetto per mettere in scena il suo sconforto, un’angoscia che assume forme minacciose e si concretizza in personaggi agghiaccianti, come il celebre Saturno che divora i suoi figli.

La dimora si chiama Quinta del Sordo, nome evocativo assegnatole a causa della sordità di uno dei precedenti proprietari e che, per una strana coincidenza del destino, si applica perfettamente anche a Goya. Si tratta del teatro di un’umanità dolente, fatta di teste inquietanti, di pelli anemiche e di occhi che escono dalle orbite, dipinta con una tavolozza cromatica ristretta ai toni scuri e all’ocra, con poche incursioni di rosso.

Una massa quasi informe di facce trasformate in maschere e di bocche enormi, un susseguirsi di scene collettive di disperazione, riempite di assurdi personaggi giganteschi. C’è Giuditta intenta al suo crimine, e anche le parche pronte a tagliare definitivamente il filo ormai logoro della vita del pittore. Resta solo qualche sparuto tocco di azzurro del cielo, stralcio umilissimo che non basta a far sperare in meglio.

Video da vatobel534

Via | museodelprado.es

Pinturas Negras di Goya é stato pubblicato su artsblog alle 12:54 di sabato 04 febbraio 2012.

Nel cuore del quartiere Pigneto a Roma, la galleria Laszlo Biro - dal nome dell’inventore della penna a sfera - apre i suoi spazi alle performance libere alla creatività di graffitari e street artist. L’iniziativa si chiama Muro libero e prevede che per circa un mese - fino al 25 marzo - chiunque voglia potrà realizzare un lavoro potrà imprimendo le proprie creazioni direttamente sui muri della galleria. Tutti gli artisti, ma anche i presunti tali, potranno disporre senza alcuna regola e gratuitamente di uno spazio espressivo finalmente libero e orizzontale, cosa non certo frequente nelle nostre città.

Allo stesso tempo, l’evento dà al pubblico la possibilità di assistere all’opera gli artisti in live painting e installazioni imprevedibili e del tutto svincolate da eventuali direttive. La galleria Laszlo Biro si trova in via Braccio da Montone e oltre agli spazi espositivi comprende un angolo bar, e programma spesso musica dal vivo. Ha quindi tutti i comfort del caso per chi volesse assistere a questa entusiasmante mostra-performance. In itinere e in divenire. E durante il vernissage sarà presentato il secondo numero di Squame, una rivista autoprodotta a cura di Francesca Protopapa (52 pagine x 28 artisti italiani e francesi).

Street Art libera al Pigneto é stato pubblicato su artsblog alle 22:58 di venerdì 03 febbraio 2012.

Pochi giorni fa è scomparso Mike Kelley, le fonti giornalistiche locali parlano di suicidio, anche se non è ancora certo. Era uno degli artisti più importanti degli ultimi decenni, rappresentato da Gagosian, ha partecipato alle Biennali più importanti e le sue opere potevano raggiungere quotazioni stellari. Nato e Detroit e di base a Los Angeles, Kelley era il punto di incontro tra l’arte pop, il punk e il grunge; non è possibile etichettarne valori ed estetica, lui semplicemente spurgava lo straniamento di un’identità tutta da definire, in bilico costante sulla minaccia tutta americana simbolizzata dalla L di loser (perdente).

Tony Oursler, suo amico, lo considerava un genio, una mente poliedrica e capace in tanti ambiti differenti; Kelley, famoso ai più per le installazioni di peluche, era anche fotografo, illustratore, musicista, critico e scrittore, e infondeva una connotazione macabra nei suoi lavori per dissacrare le ipocrisie della società consumistica.

In Italia ha esposto al Castello di Rivoli nel ‘92 con la mostra Post Human e più di recente con una retrospettiva al Museion di Bolzano (2009). In questo video racconta di come sono nati gli “stuffed animals” quando ha iniziato negli anni ‘80 a interessarsi della culto della comodità e dei pericoli che avvolgono il mondo dell’infanzia; le tematiche più crude e fastidiose venivano allora vissute e accompagnate, mai gudicate a distanza, così si libera il flusso creativo.

In memoria di Mike Kelley é stato pubblicato su artsblog alle 12:50 di venerdì 03 febbraio 2012.

La capitale francese “vede verde”, ed è proprio un bel vedere, non c’è che dire. Si tratta infatti delle maschere di giada esposte presso la Pinacothèque di Parigi nell’ambito della mostra intitolata “Le maschere di giada dei Maya”. Un percorso costruito intorno a quella che è stata considerata la più grande scoperta archeologica messicana dell’ultimo decennio. Si tratta di una collezione di preziosi oggetti ricoperti da tessere di mosaico, costituite principalmente di giada e arricchite con inserti in metalli e pietre preziose, rappresentanti le sembianze delle divinità del popolo maya, che coprivano i tratti degli alti dignitari per assicurare la vita ultraterrena. Non a caso sono state ritrovate proprio nelle tombe più fastose e sono accompagnate dal prezioso corredo funerario che le attorniava.

I pezzi, riuniti per la prima volta, hanno finalmente lasciato il loro paese d’origine alla volta di Parigi, dopo parecchie peripezie diplomatiche. La mostra, che avrebbe dovuto aprire i battenti giusto un anno fa, era stata annullata in ragione del momento di degradazione dei rapporti tra i due paesi coinvolti, causato dall’affaire Florence Cassez, che aveva portato anche alla cancellazione delle 350 manifestazioni previste per le celebrazioni dell’Anno del Messico in Francia. Un piccolo aneddoto, per “coprire l’imprevisto” a pochi giorni dall’inaugurazione, venne anticipata la mostra dedicata al “nostro Hugo Pratt”.

Via | pinacotheque.com

Le maschere dei Maya a Parigi

Le maschere dei Maya in mostra a Parigi é stato pubblicato su artsblog alle 12:35 di venerdì 03 febbraio 2012.

La rivista LIFE ha sempre avuto la sua “buona e santa dose” di donne in copertina. Incredibilmente belle, “icone domestiche” o lavoratrici infaticabili, senza mai un capello fuori posto. Impeccabili nei loro abiti dal taglio sartoriale e fresche di profumi floreali, hanno incarnato miti ancora profondamente radicati e sfidato alcune convenzioni apparentemente impossibili da scardinare. Il tutto sotto un delicato ed immancabile velo di cipria.

Ma quelle sulle copertine non erano le uniche donne di LIFE. Donne erano anche alcune delle fondamentali protagoniste dell’ideazione e della realizzazione di quegli stessi famosi scatti. Fotografe come Nina Leen, Lisa Larsen & Martha Holmes che, con le loro indimenticabili immagini, hanno contribuito alla duratura celebrità della pubblicazione. Personaggi femminili d’avanguardia ai quali, a 3/4 di secolo dalla pubblicazione del primo numero (la cui copertina deve molto ad una certa signora Margaret Bourke White), è dedicata una mostra, intitolata neanche a dirlo “Le donne di Life”, e ospitata presso la Galleria Forma Foto di Milano fino all’11 marzo 2012.

Gli scatti, i ritagli e i servizi, provenienti direttamente dal nutrito archivio della LIFE Gallery of Photography di New York, tracciano un panorama affascinante, ricostruendo alcuni spaccati puntuali e, soprattutto, accompagnando, come una riflessione fatta di splendide immagini, l’evoluzione del ruolo della donna nella società, durante alcune delle sue tappe cruciali.

Via | milano.2night.it
le donne di LIFE

A Milano "sfilano" le donne di LIFE é stato pubblicato su artsblog alle 11:46 di venerdì 03 febbraio 2012.

In occasione del ventennale della scomparsa, il Castello di Rivoli Museo d’Arte contemporanea, dedica al grande fotografo italiano Luigi Ghirri un convegno e una mostra. Il 3 febbraio si parlerà della sua opera e del suo metodo compositivo insieme ad ospiti come Marco Belpoliti, Mario Cresci, Elena Re e Andrea Bellini. L’iniziativa è la seconda tappa del progetto Le scatole viventi, inaugurato con un omaggio a Luigi Ontani.

Nelle parole del condirettore Andrea Bellini “il progetto espositivo si basa sull’idea di allestire nella Manica Lunga una sorta di narrazione in sequenza di differenti approcci alla fotografia, cercando di individuare quelle idee e quelle intuizioni che hanno contribuito in modo decisivo alla sua evoluzione negli ultimi quarant’anni”.

La personale sull’arte fotografica di Ghirri, curata da Elena Re e intitolata Projects Prints. Un’avventura del pensiero e dello sguardo, raccoglie una selezione delle prime stampe dei lavori di Ghirri. Il fotografo aveva elaborato queste stampe “in miniatura” per illustrare il suo lavoro con un metodo che lascia emergere una visione fortemente concettuale e teorica della fotografia, in linea con i princìpi guida di Duchamp e delle avanguardie storiche. La mostra sarà aperta fino all’11 marzo 2012.

A Rivoli, l'occhio etereo di Luigi Ghirri é stato pubblicato su artsblog alle 21:43 di giovedì 02 febbraio 2012.

La “sorella della Gioconda” si è “rifatta il trucco” e ha deciso di presentarsi in tutto il suo rinnovato splendore, al Museo del Prado di Madrid, per la gioia degli ammiratori dell’illustrissimo originale leonardesco esposto al Louvre. L’opera, realizzata molto probabilmente da uno degli allievi del grande maestro toscano, e conosciuta fino a poco tempo fa sotto la denominazione di “Monna Lisa del Prado”, si presentava “oscurata” da un fondo nero aggiunto nel XVIII secolo.

Un accurato restauro ha rivelato il paesaggio retrostante, permettendo allo stesso tempo di datare il quadro, che può essere considerato, secondo il conservatore d’arte italiana del celebre museo madrileno Miguel Falomir, come la prima copia conosciuta dell’enigmatico capolavoro. Una versione estremamente somigliante, ma anche evidentemente “più fresca” che getta una nuova luce sulla tela ospitata a Parigi. Con i suoi colori vivi e la cura estrema del dettaglio la pittura del Prado potrebbe essere molto più vicina a come si presentava l’originale nel 1505. Sembra che le “due sorelle” si riuniranno a breve per un’esposizione temporanea. Vi terremo aggiornati su questo singolare “incontro di famiglia”.

Via | lexpress.fr

La sorella della Gioconda

"La sorella della Gioconda" é stato pubblicato su artsblog alle 15:15 di giovedì 02 febbraio 2012.

Ogni tanto mi è capitato di chiedermelo: ma è più bella la mostra o la location? Gli spazi dedicati all’arte possono essere a loro volta dei capolavori, o delle esperienze da fare già di per sè; un articolo del Guardian stila la lista delle 10 gallerie di Tokyo da vedere assolutamente, prendete nota se avete in programma un viaggio in Giappone o se siete soliti avventurarvi tra i padiglioni orientali nelle fiere d’arte più grandi. Anche se è chiaro che è molto meglio visitarle in loco perchè spesso sono spazi espositivi collocati in palazzi o location degne di una guida turistica: Scai The Bath House, per esempio, è la galleria di arte contemporanea più rinomata della città, ed è collocata in un quartiere antico di case tutte di legno, come di legno è anche tutta la sua struttura; l’Hara Museum of Contemporary Art ospita le collezioni permanenti di maestri come Nara Yoshitomo e Tatsuo Miyajima ed è situato in un palazzo degli anni ‘30 in stile modernista.

La Taka Ishii Gallery è da vedere perchè è specializzata in fotografia, ed è una presenza costante alle fiere importante con Frieze a Londra; il Mori Art Museum vale la pena già solo perchè si trova al 54mo piano di un grattacielo, e dopo aver fatto il giro delle esposizioni non si può perdere la vista panoramica a 360° sulla città; lì vicino c’è poi la galleria Wako Works of Art, un must per gli amanti del concettualismo.

La Mizuma Art Gallery promuove i lavori di gente del calibro di Akira Yamaguchi, Manabu Ikeda e Makoto Aida; mentre al Watari Museum of Contemporary Art, situato in un angolo suggestivo della città, oltre a visitare le mostre di video e street-photography si può fare un giro a una fornitissima libreria specializzata in arte, la On Sundays. Arataniurano è una delle gallerie più di tendenza e Take Ninagawa è il luogo ideale per gli amanti del pop, dei messaggi irriverenti, delle sottoculture ispirate al mondo dei cartoons; chiudiamo la passeggiata culturale per i punti focali artistici di Tokyo con la Misako & Rosen Gallery, specializzata in pittura, e che offre grazie alla sua scalinata tante prospettive diverse per osservare i suoi quadri.

Foto | Flickr

Le 10 gallerie più belle da vedere a Tokyo é stato pubblicato su artsblog alle 14:43 di giovedì 02 febbraio 2012.